Los sueños están para realizarse, como el de LP Giobbi.

 La exitosa pianista estadounidense, DJ, productora, empresaria, activista y fundadora de FEMME HOUSE ha anunciado su firma con el sello independiente Ninja Tune, a través de su sello Counter Records. En la celebración del anuncio, lanzó un nuevo single “All In A Dream” con  Josphe Asworth y Dj Tennis, quien reside en Ciudad de México y hace unas semanas compartió un set con James Murphy de LCD Soundsystem.

“All In A Dream” es el primer single de LP Giobbi desde “Sinner” su hit track con el vocalista y productor Bklava de Reino Unido que se lanzó a principios de este año. “All In A Dream” cuenta con LP Giobbi en el piano acústico, sintetizadores, beats, y un kit de batería – la combinación de instrumentos reales y sintetizados dando un sonido cálido y expansivo a la canción.

LP Giobbi afirma: “All In A Dream’ se formó de una manera muy divertida y fluida. Empecé a trabajar en la idea de la canción con uno de mis productores favoritos, Le Chev (Michael Cheever) yo estaba en Miami con Sofi Tukker y entraron en el estudio y escucharon el disco y Tucker inmediatamente dijo: ‘Tengo esta grabación de voces que sería perfecta.’ Lo empaté en la sesión y estaba en la misma tonalidad, encajaba perfectamente. Finalmente lo toqué para DJ Tennis y Ashworth, Tennis sugirió que grabáramos la batería en vivo, así que pasamos un día alegre en el estudio probando todo tipo de ritmos con un baterista. Luego Tennis y Ashworth corrieron la canción en altavoces y me hizo querer arrastrarme en las frecuencias del piano y nunca salir de ahí.”

Escucha aquí “All In A Dream” :

https://lp-giobbi.lnk.to/dreamPR

Cabe recordar que con sede en Austin, LP Giobbi ha visto su éxito aumentar exponencialmente en el último año. Siendo apodada “la reina del piano house” por la prensa en los Estados Unidos, se ha presentado al frente de miles de personas en los escenarios de Coachella, Lollapalooza y más. Ha sido seleccionada como “Artist To Watch” por Amazon Music y Spotify – quien también la seleccionó como embajadora de EQUAL en 2022. Entrenada en jazz y piano clásico con un grado en Jazz Piano Performance por la UC Berkeley, LP Giobbi en realidad no descubrió la música house hasta sus veinte años. Hasta entonces fue criada con el amor de sus padres por las bandas de los 60.

Como decíamos al principio LP Giobbi es la fundadora y rostro de FEMME HOUSE, una plataforma educativa sin fines de lucro que busca crear oportunidades equitativas para las mujeres y otras expresiones de género marginadas en las áreas técnicas de la creación musical. FEMME HOUSE ha ofrecido talleres, cursos en línea y tutoría a miles de mujeres, artistas trans y no binarios de todo el mundo, enseñándoles todos los niveles de producción. Un programa de becas, en colaboración con Ableton, Moog, Native Instruments y Guitar Center, también está disponible para la comunidad BIPOC. “Mi propósito es ayudar a levantar mientras yo crezco”, explica Giobbi. “Quiero dejar esta industria en un lugar más igualitario.”

cortesía

Markko Méndez, músico mexicano con medalla de oro internacional .

Con 36 años dedicados a la música, Marco Mauricio Méndez Banda, conocido artísticamente como Markko Méndez, nacido en Orizaba, Veracruz, es compositor, representante, arreglista, productor y director musical, merecedor de la medalla de oro en la categoría de instrumentista, en el “World Championship Performing Arts” edición 2020, al enfrentarse a participantes de 75 países.  

El amor por la música lo trae desde niño, pues narra en entrevista que creció rodeado de arte; por un lado, su abuelita tocaba el piano y el violín, por otro lado estaba su tía, quien también tocaba el piano, ahí fue que comenzó su pasión, dedicándose así, a la guitarra.  

Además, Markko pinta, escribe y modela figuras, sin embargo, recuerda que su primera guitarra se la regalaron de cumpleaños y eso fue lo que le cambió la vida para siempre “de ahí jamás he dejado de tocar, a tal grado que ahora siento que la guitarra es como si fuera una extensión de mi cuerpo”.  

Comenzó con este instrumento a los 7 años y a los 12 tuvo su primer grupo de rock Frecuencia Pop. Estudió guitarra y música en la ciudad de Xalapa y en Ciudad de México, en diferentes institutos y de la mano de maestros como César Cal y Roberto Arballo “Betuco”.  

Markko afirma que no le gusta casarse con un mismo estilo musical, por ello siempre está en constante evolución, su estilo es progresivo-rock, porque incursiona en diversos géneros musicales y técnicas de Shared Guitar, el cual, comenta, consiste en tocar guitarra buscando transiciones rápidas de una nota para otra, elevando el tiempo y la experimentación de las melodías.  

“Siempre me ha gustado ser muy abierto con los géneros y aunque el rock me gusta mucho, me encanta mezclar, es como meter en una licuadora muchos géneros y eso es lo que sale, es lo que busco crear el estilo de Markko Méndez”. 

El también físico matemático ha realizado estudios en arreglos y composición musical en diferentes instituciones de México, las cuales le han dado las bases para crear su propio estilo y metodología de aprendizaje y composición de la música, mediante procesos basados en las matemáticas y la lógica.  

“Las matemáticas están involucradas en la música, en las notas, compases y decibelios, por ejemplo. Estoy escribiendo un libro al respecto, en el que llevo años de investigación y de conclusiones, pero aún no lo termino. Mi tesis de la licenciatura en matemáticas fue precisamente sobre eso también, la relación tan estrecha que hay entre la música y las matemáticas”.  

Markko Méndez cuenta con tres producciones propias A part of meUtopía y Fragmentos, además de muchas colaboraciones como guitarrista con artistas como: Alejandra Guzmán, Mano y Chacho Gaytán (exTimbiriche); Fato, Xava Drago (exvocalista de Coda), Kazz (de los Amantes de Lola); Cala (de Rostros Ocultos); Oliver Hartmann (Hartman de Alemania) Asha, Bobby Kimball (Toto), entre muchos más.  

Actualmente se encuentra promocionando su nuevo álbum “Universe parallel”, con letras y música propias y el cual incluye 18 temas, entre ellos su primer éxito A part of me, tema recopilado en una producción Indie-Europea, que ha ganado varios reconocimientos y seguidores a decir del propio artista.   

“Es un álbum construido a lo largo de 10 años, tiene un poquito de todo, música de jazz, blues, pop, clásico, algo de electrónico, además de que intervienen grandes artistas, músicos, cantantes nacionales e internacionales como: Jako González Grau, Carlos Salomón, Mika Brushane, Miky AB AB, Xava Drago, Gino Silver, César Legaspi, José Luis González Meza, Rubelio Merino, César Cal, César Calderón Serrano, Eduardo Ocariz y Román Ramírez Córdoba”, resalta el también licenciado en inglés. 

Comenta que actualmente se dedica más a la producción propia y colaborando en los arreglos con otros artistas, a través de su propio estudio, en el que destaca uno de sus últimos trabajos realizados en 2020 donde participó en el tema Prometiste Volver, con letra del maestro Fato, cantada por Myriam Montemayor “en este tema realicé los arreglos y la instrumentación. El tema obtuvo tres nominaciones en el Grammy Latino y se mantuvo en las posiciones 1 y 2 de las listas de popularidad en radio latinoamericana en los Estados Unidos”.   

Además de atender su estudio y sus compromisos musicales, imparte clases en línea de música, matemáticas e inglés, a alumnos de diferentes estados de México, así como de Canadá, Estados Unidos, Argentina y Ecuador “a diferencia de muchas personas siento que me benefició el estar en confinamiento, porque me abrí a las nuevas posibilidades que ofrecen las redes sociales, gracias a esto, ya me conocen más a nivel internacional, tanto para impartir mis clases, como para trabajar proyectos de producción”.  

El polifacético artista se encuentra como Markko Méndez en Facebook, Twitter, Linkedin y YouTube, donde se puede conocer más de él, en tanto que su música puede ser escuchada en diferentes plataformas como: YouTube Music, Spotify y Amazon Music.  

AJR  

PIE DE FOTOS: Marco Mauricio Méndez Banda, conocido artísticamente como Markko Méndez, obtuvo la medalla de oro en la categoría de instrumentista, en el “World Championship Performing Arts” edición 2020.

Fotografías: Cortesía. 

Festival del Cárcamo en el Cenart y el Bosque de Chapultepec.

Más de 3 mil 500 personas disfrutaron el pasado fin de semana del Festival del Cárcamo, organizado por la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Centro Nacional de las Artes (Cenart) y del Complejo Cultural Los Pinos, y el Gobierno de la Ciudad de México, a través de la Secretaría del Medio Ambiente y del Museo de Historia Natural y Cultura Ambiental. Niñas, niños, jóvenes y adultos acudieron al llamado para presenciar 19 espectáculos de jazz, danza y circo, todo de entrada libre.

El Festival del Cárcamo se realizó de manera simultánea en dos sedes: las instalaciones del Cenart y la explanada de la Fuente de Tláloc, ubicada en la segunda sección del Bosque de Chapultepec. El objetivo fue ofrecer una alternativa de entretenimiento de calidad para la población, así como dar a conocer las rehabilitaciones que se hicieron recientemente a la Fuente de Tláloc, del artista mexicano Diego Rivera, la cual atravesó por un proceso de salvamento y conservación avalado por el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (Inbal), en el marco de los trabajos realizados para el proyecto Chapultepec, Naturaleza y Cultura.

Durante la ceremonia de inauguración del Festival del Cárcamo, la subsecretaria de Desarrollo Cultural de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, Marina Núñez Bespalova, señaló que este festival fue ideado entre la jefa de gobierno de la Ciudad de México, Claudia Sheinbaum, y la secretaria de Cultura Alejandra Frausto, con el propósito de ofrecer actividades artísticas en un escenario magnífico como la Fuente de Tláloc.

“El arte que estamos proponiendo mostrar en estos espacios va a tener que ser un arte que conviva, que aprenda a cuidar y a convivir con el medio ambiente, que sea un arte natural. Así que los invitamos a disfrutar de los grupos de jazz, de circo y danza aquí y en la sede del Cenart, al sur de la Ciudad de México”, expresó.

En el Cenart se registró una asistencia de mil 475 personas durante los dos días, para ver a compañías como La Bomba Teatro, Daniel Vadillo Quinteto (antes Descarga Sputnik), Mestijazz y Nuclear Jazz Trío. Debido a la lluvia que cayó la tarde del domingo, el concierto de la Big Band Jazz de la Escuela Superior de Música fue reprogramado para el sábado 21 de mayo, a las 13:00 horas, en la Plaza de las Artes.

En la explanada de la Fuente de Tláloc se registró una asistencia de 2 mil 26 personas durante el fin de semana, familias que acudieron a divertirse y pasarla bien con la oferta artística de agrupaciones como RAG-time Trío, el Circo de Intervención Colectiva, la cantante mexicana Jenny Beaujean, el trío vocal Las Swing Sisters, la Sensacional Orquesta Lavadero, Irreverentus & Co., Tránsito Cinco Artes Escénicas, Amanda Tovalin y el Ensamble de Cuerdas Trino; Viri Roots & The Rootskers, La Infinita Compañía, Antonio Garduño y Los Hot Brothers.

Fotografías: Centro Nacional de las Artes (Cenart) y Secretaría de Cultura.

El Ensamble Escénico Vocal de Fomento Musical interpretará obras Del Renacimiento al mambo.

El Ensamble Escénico Vocal (EEV), del Sistema Nacional de Fomento Musical (SNFM), institución de la Secretaría de Cultura federal, interpretará a cappella obras musicales que llevarán a la audiencia en un viaje desde lo solemne y sacro hasta la fiesta popular latinoamericana en tres conciertos que se realizarán los días 7, 8 y 9 de abril.

El programa, que lleva por nombre “Del Renacimiento al mambo”, será interpretado por 14 intérpretes; considera obras de Giovanni Pierluigi da Palestrina, John Dowland, Heitor Villa-Lobos, Guido López Gavilán y Dámaso Pérez Prado, entre otros.

Estas presentaciones, que se llevarán a cabo siguiendo los protocolos para el cuidado de la salud, ocurrirán en tres recintos de la Ciudad de México: Casa del Tiempo de la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM), la Biblioteca de México y en el Complejo Cultural Los Pinos.

La primera cita es el viernes 7 de abril, a las 18:00 horas, en la Casa del Tiempo de la UAM; la segunda el sábado 8, a las 16:00 horas, en el Patio Octavio Paz de la Biblioteca de México –ubicada en La Ciudadela−, y la tercera será el 9 de abril en el Salón Venustiano Carranza, del Complejo Cultural Los Pinos, a las 16:00 horas.

Con la dirección de Emilio Aranda Mora, las y los cantantes de esta agrupación artística del SNFM darán muestra del dominio de su voz y su capacidad interpretativa al cantar sin acompañamiento musical (a cappella) obras como Exultate Deo (Regocíjate en Dios), de Giovanni Pierluigi da Palestrina; Come again! Sweet love doth now invite, de John Dowland, así como Dos canciones brasileñas, de Heitor Villa-Lobos; Mambo Qué rico é, de Guido López Gavilán y ¡Qué rico mambo!, de Dámaso Pérez Prado.

Cabe señalar que el canto a cappella viene del italiano y significa “cómo en la capilla”, porque hasta el Renacimiento, describía al estilo musical -generalmente sacra- de las obras musicales que se interpretaban en las capillas. Durante los siglos XV y XVI, el canto a cappella evolucionó al canto “madrigal” -composición de tres a seis voces sobre un texto profano, a menudo en italiano-. Fue hasta el siglo XIX, que comenzaron a producirse ciertos cambios en este estilo de interpretación vocal que definió que la canción a cappella ya no se reservaba exclusivamente para las iglesias.

La línea estética del EEV es trazada en el ámbito musical por su director artístico Emilio Aranda y la escénica por Maricela Medina, quien ha encauzado la plasticidad corporal de las y los jóvenes cantantes en montajes escénico-vocales de diversos géneros donde la voz y el movimiento se conjugan en el escenario para presentar programas clásicos, de música popular y hasta de teatro musical.

Fotografías: Cortesía SNFM.

Cecilia Toussaint interpretará El lado sur de mi Corazón y Cromático en el Teatro de la Ciudad.

La cantante mexicana Cecilia Toussaint se presentará en el recinto en el Teatro de la Ciudad, Espeanza Iris , el próximo 26 de marzo como parte del marco del ciclo Nosotros somos Memoria.

El recital de los discos El lado sur de mi Corazón y Cromático , será un recital en reconocimiento a la mujer. El escenario del emblemático recinto de Donceles, en el Centro Histórico de la Ciudad de México será el lugar para presentar de vez primera  ambos discos.

El lado sur de mi Corazón es un disco grabado en Argentina, un material en el que la inttérprete rinde homenaje a cantautores argentinos ; Charly García, Luis Alberto Spineta , Fito Páez , Pedro Aznar entre otros.

Cromático es el álbum editado en 2020, llegó seis años después de su disco Faro. Un material con el que celebró 43 años de trayecroria , siendo artifice del rock mexicano.

Para ello, la cantante ofreció una conferencia de prensa , para dar detalles de su próximo concierto el sábado 26 de marzo de 2022.

Este recital abarcará sus dos últimos materiales El lado sur de mi corazón y Cromático, ambos fueron grabados en el largo confinamiento en el que la compositora estuvo muy activa creando canciones.

” Con este será la segunda vez que se presente en vivo, el Teatro de la Ciudad será donde se presenten de manera simultanea ambos discos. Cromático, un disco que salió en el 2020 con siete canciones , con la idea de que fueran siete colores, siete universos y el Lado sur de mi Corazón, un disco que salió en el 2021 , y que pretendía ser una especie de agradecimiento , por no decir homenaje a esos compositores argentinos que me han acompañado a lo largo de mi carrera de poco más de cuarenta años y que son un soundtrack de mi vida. Aunque quizá cante temas clásicos, pero fundamentalmente de estos dos discos”, dijo en conferencia de prensa.

Para este concierto íntimo, Cecilia Toussaint tendrá de invitado a su hermano el músico Enrique, al igual que Adrián ( su hijo) , y la banda de ensamble. Conformada por cuatro músicos y la  destacada cantante, todos ellos arriba del escenario.

En este ciclo Nosotros somos Memoria donde se reconoce a la mujer, se pronunció nostálgica, al ver muchas mujeres al frente de proyectos artísticos, “muchas de ellas luchonas, es conmovedor y me siento orgullosa de ser parte de un movimiento y es bueno que las mujeres estén haciendo cosas”, argumentó la cantante.

Enfatizó que este espectáculo y este recital, la define como artista , el presentarse en el Teatro de la Ciudad le trae recuerdos, de inicio de su carrera. ” Me siento muy halagada de estar en este teatro, ha sido fundamental en mi carrera, casi todos mis discos se han preentado aquí , y es importante presentar estos discos nuevamente en este teatro que tanto me ha dado”.

En estos más de cuarenta años de carrera, Cecilia Toussaint se ha consagrado como un referente de la música de este país , no solemente en el rock, ha oscilado en otros géneros. Ante esto, la intérprete de ” Carretera ” en torno a la industria musical declaró: ” Me gusta que haya mucho más mujeres que están empujando la música , no solo como cantantes, en la producción, ingenieras, la presencia femenina está muy presente , aunque hace más claro, pero es bueno ver mujeres creadoras”, resaltó.

Finalmente enalteció que este concierto será una especie de decir gracias a esos artistas argentinos que la ha influenciado, lirica y musicalmente. ” Hay canciones de Cerati, Chary García, Spinetta, Lisando Aristamuño , Fito Páez , es básicamente esos”, finalizó.

Por @DiegoVazquez

El acervo sonoro del compositor Mario Lavista llega a la Fonoteca Nacional.

La Secretaría de Cultura federal, a través de la Fonoteca Nacional, y la artista Claudia Lavista, firmaron una carta compromiso para la salvaguarda, resguardo y difusión del acervo sonoro del compositor Mario Lavista (3 de abril de 1943 – 4 de noviembre de 2021)​, una de las figuras clave dentro de la cultura en México tanto por sus composiciones, su labor editorial y su profundo quehacer pedagógico. 

Con este acuerdo, la coreógrafa e hija del compositor entregó 226 casetes, 62 cintas de carrete abierto y 2 discos láser de la colección. Los documentos sonoros serán sujeto de diagnóstico para conocer su estado de conservación; posteriormente, serán sometidos a los procesos de conservación, inventario, digitalización y catalogación. 

Una vez concluido este proceso, los archivos se encontrarán para libre consulta en las plataformas de la Fonoteca Nacional y de la Secretaría de Cultura federal. 

Se estima que este fondo es irremplazable para el conocimiento de Mario Lavista; además, se prevé que la digitalización de los documentos sonoros podría revelar piezas no conocidas, probablemente grabaciones inéditas de su obra temprana. 

Cabe recordar que fue el mismo Mario Lavista quien dio el primer paso para que su acervo ingresara a la Fonoteca Nacional en 2021, cuando entregó una parte de este a la institución.  

Mario Lavista es uno de los compositores más importantes para la historia artística de nuestro país; la música mexicana de concierto de finales del siglo XX fue marcada por su trabajo, al convertirse en uno de los principales eslabones en la modernización de la música, marcando un punto final a las tendencias nacionalistas y conservadoras de las y los compositores de México.

Estudió en el taller de composición de Carlos Chávez, del Conservatorio Nacional de Música.  También fue alumno de Rodolfo Halffter. Luego de su paso por Francia, Alemania y Japón, fundó el ensamble de improvisación Quanta, referente en la historia de la música experimental.  

Además, fue uno de los iniciadores de la revista musical “Pauta”. Ingresó a El Colegio Nacional en 1998 y fue maestro del Conservatorio Nacional de Música por 45 años. En 1993, el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes lo distinguió como Creador Emérito y recibió el Premio Nacional de Ciencias y Artes, que otorga el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura en 1991.

Entre sus obras más reconocidas se encuentran la ópera Aura, basada en la obra de Carlos Fuentes; Reflejos de la noche; la música incidental de las películas Cabeza de Vaca, Vivir mata, María Sabina y Mujer Espíritu; además de las composiciones Jaula, Contrapunto, Reflejos de la noche, Simurg y Salmo

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Javi Ruibal: percusionista y productor español arriba con jazz, música del mundo, flamenco y rock progresivo.

Javi Ruibal, es originario de El Puerto de Santa María Cádiz, España, desde los 13 años de edad comenzó a ejecutar la batería. Es hijo del reconocido cantautor Javier Ruibal.

Con estudios profesionales en percusión y producción musical, Javi, ha tocado con sobresalientes músicos y proyectos de la escena jazz, world music y flamenco a nivel mundial.

  • Solo un mundo primer material discográfico de Ruibal fue catalogado entre los cinco mejores álbumes de músicas del mundo en España por los Premios MIN de la Música Independiente.
  • En Solo un mundo, se escucha y respira el aire de Los Balcanes, viaja a Cuba, navega hasta África, no sin antes caminar a través de un bosque inglés, para finalmente pasear por Doñana, el material es un recorrido musical por ocho parques naturales protegidos del planeta que estimulan los sentidos y emocionan, combinando delicadas y pegadizas melodías con sólidas bases rítmicas o mezclando bellos paisajes sonoros, cargados de sencillez con elaboraciones armónicas.
  • Solo un mundo es un disco sensibilizador, Javi, a través de la música envía un mensaje ecologista plantando un árbol en la Península de Yucatán por cada disco vendido en colaboración con la fundación Bioplanet (Organismo involucrado en el equilibrio ecológico y social del planeta).
En marzo del 2020, Javi, se encontraba por primera vez en México con la gira Solo un Mundo, nombre de su primer álbum, al haber realizado un par de conciertos, se perfilaba para cerrar el tour en la CDMX. Tras las noticias sobre la pandemia Covid-19, el descontrol en Europa y el inminente cierre de actividades en México, se canceló la fecha.
Han pasado dos años, los tiempos han sido oscuros, hemos aprendido a vivir con la enfermedad, de a poco se restablecen las actividades así como la seguridad emocional y física de todos, siendo la música el mejor bálsamo.
“Fue un momento de gran incertidumbre, tuvimos que cancelar el concierto que teníamos previsto en el foro del Tejedor y como en aquel momento aún no se sabía mucho de la pandemia, creíamos que igual no podríamos volver a España, fueron días de llamar mucho al aeropuerto y embajada española, por cierto sin mucho resultado. Me quedé con ganas de cerrar la gira en CDMX y por eso esta vez vuelvo con muchas ganas e ilusión“. JR
Javi Ruibal, anunció la Gira México 2022, para compartir la evolución de Solo un Mundo, los más recientes sencillos que ha editado: Liziqui Mrs Autumn, que han salido del estilo étnico y world music que Javi plasmó en su primer álbum ya que se alinean al género jazz,  además de un adelanto en vivo de un nuevo material discográfico.
En esta ocasión, Javi, estará acompañado de figuras importantes en la escena jazz, rock y producción mexicana: Roberto Verástegui en el piano (Bahía de Ascenso, Silvana, Estrada, Pate de Fua…) y Pablo González Sarre en el bajo (Los Claxons).
5 de marzo CDMX – Zinco Jazz Club, 10 de marzo Irapuato – Teatro de la Ciudad, 11 de marzo Querétaro – Moser Café Kultur.

Estoy emocionado, una gira fuera de mi país siempre tiene un aliciente extra, además me encanta México así que moverme por el país y hacer música al mismo tiempo es un sueño hecho realidad”. JR

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Andrés Hoeflich se alista para publicar su disco debut La Marea .

” Este disco retrata influencias de mi vida, más que de influencias musicales”

Directamente de Veracruz, México, el músico y productor Andrés Hoeflich, emprende un camino en su proyecto solista. Su concepto lo engloba diversos géneros musicales como el rock, pop y electrónico. Tras su paso por otras agrupaciones a la cuales formó parte, ha presentado tres sencillos “Irremediable”, “La Cura” y ” Dime” , antesala previo al lanzamiento de su disco debut La marea , será editado de manera independiente y saldrá el 11 de marzo próximo.

El proyecto del músico nace en el corazón de la ciudad en el 2019 con el firme propósito de mezclar estilos y variedad sonora.  Así, vio nacer su disco corto, el cual contiene dos temas, ” Lo que hagas tu de mi” y ” No puedo olvidarte”, está en plataformas.

Dos años después de ese disco digital, Hoeflich le apuesta a publicar su disco , creado en pandemia , y que da título La Marea ; ahora este LP contendrá ocho temas de su autoría.  Este tendrá arreglos de cuerda y metales.

En polifoniared, conversamos con el músico , el cual expuso su necesidad creativa en esta etapa de solista.

” Nace de la inquietud , ya antes había intentado consolidar proyectos de varios géneros, si di puerta abierta para aventarme como solista , ya sabes es por la necesidad de estar creando arte, música , y para expresar lo que uno trae dentro”, expuso Hoeflich vía telefónica.

En 2019, el músico mexicano saltó al mundo presentando dos canciones , aquí puso sus dotes de productor el cual se inició en su juventud. Eso lo llevó a meterse a un estudio de grabación y dar forma a este disco. ” La marea habla de esas profundidades que uno atrae dentro y que a veces es complicado decir, lo estoy exponiendo en una especie de marea.  Esto es porque el agua tiene mucho que ver con el disco. Eso , engloba sus problemas y emociones como si estuvieras debajo del agua y que el mar todo se lleva”.

El largo confinamiento , fue la musa para dicho proceso creativo. Si es un disco metafírico y en elque el artista se rencontró para componer y gestar este álbum debut. Con esto, Hoeflich pretende que este material sirva de refugio para más de uno que esuchen el disco.

” Mi intención es eso, que las canciones acompañen , que cure. Habla de las emociones que llevamos guardadas. Yo sería esa especie de embudo  o un canal  para decir lo que pienso”.

Este nuevo álbum de estudio , está cargado de emociones, sentimientos almacenados. Tras exprimentar en otros géneros , Andrés Hoeflich , en La Marea, expone su gusto por los sampleos. ” Si, este disco es más orgánico, tiene cosas de trompetas, arreglos de metales, porque son influencias de mi vida , toda  la música que suena en el disco está basado en experiencias”, contó.

Este disco, en palabras del músico es un viaje y un panorma de influencias musicales y de ritmos que lo inculcaron. ” Este disco retrata influencias de mi vida, más que de influencias musicales”, externó.

Todo este cúmulo de influencias musicales que han permeado en la vida del músico están retratadas en estas ocho canciones y que formarán parte de su disco La Marea.

Andrés Hoeflich, dijo, se ha formado de exprencias, desde tu proceso como productor , y ahora solista. ” Uno tiene que tener experiencias para tener algo que contar , eso es vital para componer, es mi filosofía. No tengo una musa en especifico, sino, me baso en cosas de la vida, para mi es así”, resaltó .

La Marea es un trazo de dónde viene su sonido que lo ha acompañado, es dar otra cara a lo que estamos acostumbrados.

Cuenta, este disco, fue un aprendizaje, las letras fueron un pilar para la composición. Cada canción tuvo transformaciones.

El gestar el disco era percibir que la música puede mutar , el incursionar con otros elementos como la melodía es lo que el músico descubrió. ” Aquí, se improvisaron muchas cosas, la voz, las secuencias , sintetizadores , mucho fue de eso, sin tanta planeación”.

“Lo que más me gusta de la música es que puede renovarse constamente, que no siempre suena igual. Hay muchas cosas que intevienen para que suena de cierta manera”.

Para este disco se le sumaron músicos , no estuvo solo . Ya a manera de Full Band , enriquecieron este proyecto. Con letras de Andrés Hoeflich y bajo la comanda de productor. “Todo nació en una habitación , para mudarse a estudio de grabación”.

Alguno de los intriumentos con los ue consta el material, piano, cuerdas, trompetas , sintetizadores y batería.

El disco promete un sonido nutrido de géneros, es ecléctico  en el cada canción que integra La Marea suena diferente.

El músico ya planea presentarlo en algunas presentaciones al alguno de los foros de dentro y fuera de la Ciudad de México. Para lo cual, tiene previsto un concierto de luces que armonicen este concepto.  ” Mi idea es tener esta parte inmersiva que las luces conecten con la música , un concepto visual “. , concluyó diciendo.

Por #DiegoVazquez

A través de la música, habitantes de Batopilas, Chihuahua, fortalecen sus raíces culturales.

Con el proyecto “La música tradicional y local como herramienta para el fortalecimiento de la cultura y cuidado del territorio”, el cual fue beneficiado del Programa de Acciones Culturales Multilingües y Comunitarias (PACMyC) 2020, Bernardo Manzano Lepe, director de la Asociación Civil Pies de la Tierra, apoya a las y los habitantes de las comunidades de Coyachique y Kowinpachi, en Batopilas, Chihuahua, con un plan comunitario enfocado en el rescate de sus tradiciones y cultura. 

Manzano Lepe relata en entrevista que ha trabajado en diversas comunidades indígenas de esa región del norte del país desde 2013, en temas relacionados al cuidado del medio ambiente, siempre escuchándoles, para entender qué es lo que quieren, cuáles son sus necesidades y aspiraciones; así, en Coyachique y Kowinpachi trabajó por 12 meses para desarrollar este proyecto que utiliza la música para el fortalecimiento cultural y de las tradiciones. 

El entrevistado relata que, con la información que la comunidad le entrega se elabora un plan comunitario, posteriormente se les presenta un esquema de trabajo entendible por todos los públicos, para que puedan elegir las actividades y formas para ponerlo en marcha.  

Al relatar la experiencia, el entrevistado comenta que la gente le cuenta, por ejemplo: “Queremos sembrar pinos, queremos cuidar el manantial, queremos cuidar nuestra cultura, nuestras tradiciones porque se están perdiendo; se está perdiendo mucho nuestra cultura rarámuri”.  

Además, comenta, existe la preocupación latente por la migración, ya que las personas que dejan la comunidad difícilmente regresan, lo que ha llevado a la pérdida de tradiciones, por ejemplo, de la música.  

Teniendo conscientes estas preocupaciones, Bernardo Manzano y su equipo presentaron al PACMyC el proyecto “La música tradicional y local como herramienta para el fortalecimiento de la cultura y cuidado del territorio”, que resultó beneficiado en 2020. En él se propuso que niñas, niños y jóvenes de Coyachique y Kowinpachi aprendieran a tocar la guitarra, el violín y el acordeón para preservar la música tradicional rarámuri de sus comunidades.  

Con los recursos del proyecto fueron adquiridas guitarras, violines y acordeones. Mientras se llevaba a cabo la capacitación musical, relata el entrevistado, surgió la idea de que las y los participantes escribieran 10 canciones (escritas en español) donde se expresaran los intereses de las comunidades por el cuidado del medio ambiente y que fueron plasmados en el plan comunitario.  

En total fueron 10 composiciones escritas por las y los estudiantes y enviadas a un grupo musical tradicional de la Sierra chihuahuense para que fueran sujeto de arreglos en temas de ritmo y estructura, interpretadas y gabadas en un estudio profesional para el disco “Canciones ecológicas para el cuidado de la Sierra Tarahumara”. 

Las y los jóvenes de ambas comunidades, refiere el entrevistado, quedaron satisfechos con el proyecto y las “ecocanciones”, como las conocen, se han escuchado en algunas estaciones de radio locales y también las llevan en sus teléfonos celulares y memorias digitales, para reproducirlas donde quiera que vayan.  

Para conocer más del trabajo que realiza la Asociación Civil Pies de la Tierra, se puede consultar en línea: facebook.com/piesdelatierra,  piesdelatierra.org e instagram.com/piesdelatierra/.   

Texto y fotos cortesía

La Murga Xicohtl, una explosión de géneros musicales a ritmo de carnaval.

La Murga Xicohtl es una agrupación que nace con el objetivo de difundir los ritmos del carnaval del sur de Tlaxcala, fusionados con diferentes géneros musicales, entre ellos el gypsy, klezmer y balkan, pertenecientes al folclor del Este de Europa, cuenta Sergio Hernández Montiel, baterista y percusionista de la banda.  

Compuesta por siete integrantes, la historia de esta agrupación se comenzó a escribir en 2014, por la invitación a musicalizar obras de teatro para la compañía Espejo Ilusión. 

En 2015 propusieron y ganaron un apoyo por parte del PACMyC, de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, en el que plantearon la compra de instrumentos para dar difusión a esta propuesta musical que incluía letras originales cantadas en náhuatl. Afirma Sergio que el rescate de la lengua y de la música tradicional era fundamental para esta propuesta. 

“Además de las mezclas que hacemos con la música folclórica del Este de Europa y la de carnaval, también fusionamos con rock, ska, reggae, polka, son y hasta danzón. Nuestra propuesta es muy alegre y digamos pegajosa, la cual ha tenido bastante aceptación entre la gente de todas las edades, por la gran variedad de ritmos que manejamos”, detalla el percusionista. 

Actualmente La Murga Xicohtl se compone por Manuel Tlapa, Giovanni y Jonathan Jaramillo, Ricardo Pérez, René García, Óscar y Sergio Hernández, que juntos han logrado amalgamar este proyecto, gracias al trabajo en equipo con el que dan forma a los arreglos de cada canción “aquí no hay ninguna estrellita, todos tenemos voz y voto para los temas que se proponen”, dice el entrevistado. 

La Murga Xicohtl, ­­señala Sergio, podría considerarse un tanto excéntrica, ya que, con sus dos guitarras; tres metales: saxofón, trompeta y trombón; así como su bajo y batería ponen a bailar a chicos y grandes “podemos estar tocando un vals, por ejemplo, y de repente soltamos la polka, así de excéntricos podemos ser. Cada tema puede estar compuesto de cuatro ritmos diferentes”, además, en sus presentaciones, el saxofonista porta la vestimenta de Chivarrudo, que es el huehue originario de la zona sur de Tlaxcala.  

Explica el entrevistado que la murga es un género musico-teatral desarrollado en distintos países de América Latina y Europa, cuya característica es que los músicos se juntan para tocar en fiestas patronales y carnavales, lo que sucede en Tlaxcala, con las llamadas camadas “por eso adoptamos ese nombre y Xicohtl por el nombre del municipio en donde comenzó esta historia, que es Santo Toribio Xicohtzinco”. 

Si bien ninguno de los integrantes es hablante nativo de náhuatl, para sus interpretaciones han recibido asesorías de personas que sí lo son, con personas certificadas en el habla y, además, buscan capacitarse en este idioma. 

La agrupación ha tocado en el Festival Internacional Cervantino, en Guanajuato, en el Festival Alfonso Ortiz Tirado, en Sonora; en Ciudad de México, Querétaro, Acapulco, Puebla, entre otras entidades del país.  

Actualmente La Murga Xicohtl tiene un disco grabado y se encuentra en preparación del segundo material en el que busca tener un nuevo repertorio que retome géneros musicales que les identifiquen con su comunidad “vamos a incluir de 10 a 12 temas aproximadamente, con letras que salen de experiencias o vivencias del grupo, así como de algunas efemérides o situaciones que aquejan al país”. 

Asegura Sergio Hernández que en este nuevo material La Murga seguirá destacando la importancia de las lenguas maternas, con el objetivo de preservarlas y mantenerlas vivas, así como difundir la música de carnaval del sur de Tlaxcala.  

Texto y fotos cortesía