El acervo sonoro del compositor Mario Lavista llega a la Fonoteca Nacional.

La Secretaría de Cultura federal, a través de la Fonoteca Nacional, y la artista Claudia Lavista, firmaron una carta compromiso para la salvaguarda, resguardo y difusión del acervo sonoro del compositor Mario Lavista (3 de abril de 1943 – 4 de noviembre de 2021)​, una de las figuras clave dentro de la cultura en México tanto por sus composiciones, su labor editorial y su profundo quehacer pedagógico. 

Con este acuerdo, la coreógrafa e hija del compositor entregó 226 casetes, 62 cintas de carrete abierto y 2 discos láser de la colección. Los documentos sonoros serán sujeto de diagnóstico para conocer su estado de conservación; posteriormente, serán sometidos a los procesos de conservación, inventario, digitalización y catalogación. 

Una vez concluido este proceso, los archivos se encontrarán para libre consulta en las plataformas de la Fonoteca Nacional y de la Secretaría de Cultura federal. 

Se estima que este fondo es irremplazable para el conocimiento de Mario Lavista; además, se prevé que la digitalización de los documentos sonoros podría revelar piezas no conocidas, probablemente grabaciones inéditas de su obra temprana. 

Cabe recordar que fue el mismo Mario Lavista quien dio el primer paso para que su acervo ingresara a la Fonoteca Nacional en 2021, cuando entregó una parte de este a la institución.  

Mario Lavista es uno de los compositores más importantes para la historia artística de nuestro país; la música mexicana de concierto de finales del siglo XX fue marcada por su trabajo, al convertirse en uno de los principales eslabones en la modernización de la música, marcando un punto final a las tendencias nacionalistas y conservadoras de las y los compositores de México.

Estudió en el taller de composición de Carlos Chávez, del Conservatorio Nacional de Música.  También fue alumno de Rodolfo Halffter. Luego de su paso por Francia, Alemania y Japón, fundó el ensamble de improvisación Quanta, referente en la historia de la música experimental.  

Además, fue uno de los iniciadores de la revista musical “Pauta”. Ingresó a El Colegio Nacional en 1998 y fue maestro del Conservatorio Nacional de Música por 45 años. En 1993, el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes lo distinguió como Creador Emérito y recibió el Premio Nacional de Ciencias y Artes, que otorga el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura en 1991.

Entre sus obras más reconocidas se encuentran la ópera Aura, basada en la obra de Carlos Fuentes; Reflejos de la noche; la música incidental de las películas Cabeza de Vaca, Vivir mata, María Sabina y Mujer Espíritu; además de las composiciones Jaula, Contrapunto, Reflejos de la noche, Simurg y Salmo

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Javi Ruibal: percusionista y productor español arriba con jazz, música del mundo, flamenco y rock progresivo.

Javi Ruibal, es originario de El Puerto de Santa María Cádiz, España, desde los 13 años de edad comenzó a ejecutar la batería. Es hijo del reconocido cantautor Javier Ruibal.

Con estudios profesionales en percusión y producción musical, Javi, ha tocado con sobresalientes músicos y proyectos de la escena jazz, world music y flamenco a nivel mundial.

  • Solo un mundo primer material discográfico de Ruibal fue catalogado entre los cinco mejores álbumes de músicas del mundo en España por los Premios MIN de la Música Independiente.
  • En Solo un mundo, se escucha y respira el aire de Los Balcanes, viaja a Cuba, navega hasta África, no sin antes caminar a través de un bosque inglés, para finalmente pasear por Doñana, el material es un recorrido musical por ocho parques naturales protegidos del planeta que estimulan los sentidos y emocionan, combinando delicadas y pegadizas melodías con sólidas bases rítmicas o mezclando bellos paisajes sonoros, cargados de sencillez con elaboraciones armónicas.
  • Solo un mundo es un disco sensibilizador, Javi, a través de la música envía un mensaje ecologista plantando un árbol en la Península de Yucatán por cada disco vendido en colaboración con la fundación Bioplanet (Organismo involucrado en el equilibrio ecológico y social del planeta).
En marzo del 2020, Javi, se encontraba por primera vez en México con la gira Solo un Mundo, nombre de su primer álbum, al haber realizado un par de conciertos, se perfilaba para cerrar el tour en la CDMX. Tras las noticias sobre la pandemia Covid-19, el descontrol en Europa y el inminente cierre de actividades en México, se canceló la fecha.
Han pasado dos años, los tiempos han sido oscuros, hemos aprendido a vivir con la enfermedad, de a poco se restablecen las actividades así como la seguridad emocional y física de todos, siendo la música el mejor bálsamo.
“Fue un momento de gran incertidumbre, tuvimos que cancelar el concierto que teníamos previsto en el foro del Tejedor y como en aquel momento aún no se sabía mucho de la pandemia, creíamos que igual no podríamos volver a España, fueron días de llamar mucho al aeropuerto y embajada española, por cierto sin mucho resultado. Me quedé con ganas de cerrar la gira en CDMX y por eso esta vez vuelvo con muchas ganas e ilusión“. JR
Javi Ruibal, anunció la Gira México 2022, para compartir la evolución de Solo un Mundo, los más recientes sencillos que ha editado: Liziqui Mrs Autumn, que han salido del estilo étnico y world music que Javi plasmó en su primer álbum ya que se alinean al género jazz,  además de un adelanto en vivo de un nuevo material discográfico.
En esta ocasión, Javi, estará acompañado de figuras importantes en la escena jazz, rock y producción mexicana: Roberto Verástegui en el piano (Bahía de Ascenso, Silvana, Estrada, Pate de Fua…) y Pablo González Sarre en el bajo (Los Claxons).
5 de marzo CDMX – Zinco Jazz Club, 10 de marzo Irapuato – Teatro de la Ciudad, 11 de marzo Querétaro – Moser Café Kultur.

Estoy emocionado, una gira fuera de mi país siempre tiene un aliciente extra, además me encanta México así que moverme por el país y hacer música al mismo tiempo es un sueño hecho realidad”. JR

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Andrés Hoeflich se alista para publicar su disco debut La Marea .

” Este disco retrata influencias de mi vida, más que de influencias musicales”

Directamente de Veracruz, México, el músico y productor Andrés Hoeflich, emprende un camino en su proyecto solista. Su concepto lo engloba diversos géneros musicales como el rock, pop y electrónico. Tras su paso por otras agrupaciones a la cuales formó parte, ha presentado tres sencillos “Irremediable”, “La Cura” y ” Dime” , antesala previo al lanzamiento de su disco debut La marea , será editado de manera independiente y saldrá el 11 de marzo próximo.

El proyecto del músico nace en el corazón de la ciudad en el 2019 con el firme propósito de mezclar estilos y variedad sonora.  Así, vio nacer su disco corto, el cual contiene dos temas, ” Lo que hagas tu de mi” y ” No puedo olvidarte”, está en plataformas.

Dos años después de ese disco digital, Hoeflich le apuesta a publicar su disco , creado en pandemia , y que da título La Marea ; ahora este LP contendrá ocho temas de su autoría.  Este tendrá arreglos de cuerda y metales.

En polifoniared, conversamos con el músico , el cual expuso su necesidad creativa en esta etapa de solista.

” Nace de la inquietud , ya antes había intentado consolidar proyectos de varios géneros, si di puerta abierta para aventarme como solista , ya sabes es por la necesidad de estar creando arte, música , y para expresar lo que uno trae dentro”, expuso Hoeflich vía telefónica.

En 2019, el músico mexicano saltó al mundo presentando dos canciones , aquí puso sus dotes de productor el cual se inició en su juventud. Eso lo llevó a meterse a un estudio de grabación y dar forma a este disco. ” La marea habla de esas profundidades que uno atrae dentro y que a veces es complicado decir, lo estoy exponiendo en una especie de marea.  Esto es porque el agua tiene mucho que ver con el disco. Eso , engloba sus problemas y emociones como si estuvieras debajo del agua y que el mar todo se lleva”.

El largo confinamiento , fue la musa para dicho proceso creativo. Si es un disco metafírico y en elque el artista se rencontró para componer y gestar este álbum debut. Con esto, Hoeflich pretende que este material sirva de refugio para más de uno que esuchen el disco.

” Mi intención es eso, que las canciones acompañen , que cure. Habla de las emociones que llevamos guardadas. Yo sería esa especie de embudo  o un canal  para decir lo que pienso”.

Este nuevo álbum de estudio , está cargado de emociones, sentimientos almacenados. Tras exprimentar en otros géneros , Andrés Hoeflich , en La Marea, expone su gusto por los sampleos. ” Si, este disco es más orgánico, tiene cosas de trompetas, arreglos de metales, porque son influencias de mi vida , toda  la música que suena en el disco está basado en experiencias”, contó.

Este disco, en palabras del músico es un viaje y un panorma de influencias musicales y de ritmos que lo inculcaron. ” Este disco retrata influencias de mi vida, más que de influencias musicales”, externó.

Todo este cúmulo de influencias musicales que han permeado en la vida del músico están retratadas en estas ocho canciones y que formarán parte de su disco La Marea.

Andrés Hoeflich, dijo, se ha formado de exprencias, desde tu proceso como productor , y ahora solista. ” Uno tiene que tener experiencias para tener algo que contar , eso es vital para componer, es mi filosofía. No tengo una musa en especifico, sino, me baso en cosas de la vida, para mi es así”, resaltó .

La Marea es un trazo de dónde viene su sonido que lo ha acompañado, es dar otra cara a lo que estamos acostumbrados.

Cuenta, este disco, fue un aprendizaje, las letras fueron un pilar para la composición. Cada canción tuvo transformaciones.

El gestar el disco era percibir que la música puede mutar , el incursionar con otros elementos como la melodía es lo que el músico descubrió. ” Aquí, se improvisaron muchas cosas, la voz, las secuencias , sintetizadores , mucho fue de eso, sin tanta planeación”.

“Lo que más me gusta de la música es que puede renovarse constamente, que no siempre suena igual. Hay muchas cosas que intevienen para que suena de cierta manera”.

Para este disco se le sumaron músicos , no estuvo solo . Ya a manera de Full Band , enriquecieron este proyecto. Con letras de Andrés Hoeflich y bajo la comanda de productor. “Todo nació en una habitación , para mudarse a estudio de grabación”.

Alguno de los intriumentos con los ue consta el material, piano, cuerdas, trompetas , sintetizadores y batería.

El disco promete un sonido nutrido de géneros, es ecléctico  en el cada canción que integra La Marea suena diferente.

El músico ya planea presentarlo en algunas presentaciones al alguno de los foros de dentro y fuera de la Ciudad de México. Para lo cual, tiene previsto un concierto de luces que armonicen este concepto.  ” Mi idea es tener esta parte inmersiva que las luces conecten con la música , un concepto visual “. , concluyó diciendo.

Por #DiegoVazquez

A través de la música, habitantes de Batopilas, Chihuahua, fortalecen sus raíces culturales.

Con el proyecto “La música tradicional y local como herramienta para el fortalecimiento de la cultura y cuidado del territorio”, el cual fue beneficiado del Programa de Acciones Culturales Multilingües y Comunitarias (PACMyC) 2020, Bernardo Manzano Lepe, director de la Asociación Civil Pies de la Tierra, apoya a las y los habitantes de las comunidades de Coyachique y Kowinpachi, en Batopilas, Chihuahua, con un plan comunitario enfocado en el rescate de sus tradiciones y cultura. 

Manzano Lepe relata en entrevista que ha trabajado en diversas comunidades indígenas de esa región del norte del país desde 2013, en temas relacionados al cuidado del medio ambiente, siempre escuchándoles, para entender qué es lo que quieren, cuáles son sus necesidades y aspiraciones; así, en Coyachique y Kowinpachi trabajó por 12 meses para desarrollar este proyecto que utiliza la música para el fortalecimiento cultural y de las tradiciones. 

El entrevistado relata que, con la información que la comunidad le entrega se elabora un plan comunitario, posteriormente se les presenta un esquema de trabajo entendible por todos los públicos, para que puedan elegir las actividades y formas para ponerlo en marcha.  

Al relatar la experiencia, el entrevistado comenta que la gente le cuenta, por ejemplo: “Queremos sembrar pinos, queremos cuidar el manantial, queremos cuidar nuestra cultura, nuestras tradiciones porque se están perdiendo; se está perdiendo mucho nuestra cultura rarámuri”.  

Además, comenta, existe la preocupación latente por la migración, ya que las personas que dejan la comunidad difícilmente regresan, lo que ha llevado a la pérdida de tradiciones, por ejemplo, de la música.  

Teniendo conscientes estas preocupaciones, Bernardo Manzano y su equipo presentaron al PACMyC el proyecto “La música tradicional y local como herramienta para el fortalecimiento de la cultura y cuidado del territorio”, que resultó beneficiado en 2020. En él se propuso que niñas, niños y jóvenes de Coyachique y Kowinpachi aprendieran a tocar la guitarra, el violín y el acordeón para preservar la música tradicional rarámuri de sus comunidades.  

Con los recursos del proyecto fueron adquiridas guitarras, violines y acordeones. Mientras se llevaba a cabo la capacitación musical, relata el entrevistado, surgió la idea de que las y los participantes escribieran 10 canciones (escritas en español) donde se expresaran los intereses de las comunidades por el cuidado del medio ambiente y que fueron plasmados en el plan comunitario.  

En total fueron 10 composiciones escritas por las y los estudiantes y enviadas a un grupo musical tradicional de la Sierra chihuahuense para que fueran sujeto de arreglos en temas de ritmo y estructura, interpretadas y gabadas en un estudio profesional para el disco “Canciones ecológicas para el cuidado de la Sierra Tarahumara”. 

Las y los jóvenes de ambas comunidades, refiere el entrevistado, quedaron satisfechos con el proyecto y las “ecocanciones”, como las conocen, se han escuchado en algunas estaciones de radio locales y también las llevan en sus teléfonos celulares y memorias digitales, para reproducirlas donde quiera que vayan.  

Para conocer más del trabajo que realiza la Asociación Civil Pies de la Tierra, se puede consultar en línea: facebook.com/piesdelatierra,  piesdelatierra.org e instagram.com/piesdelatierra/.   

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La Murga Xicohtl, una explosión de géneros musicales a ritmo de carnaval.

La Murga Xicohtl es una agrupación que nace con el objetivo de difundir los ritmos del carnaval del sur de Tlaxcala, fusionados con diferentes géneros musicales, entre ellos el gypsy, klezmer y balkan, pertenecientes al folclor del Este de Europa, cuenta Sergio Hernández Montiel, baterista y percusionista de la banda.  

Compuesta por siete integrantes, la historia de esta agrupación se comenzó a escribir en 2014, por la invitación a musicalizar obras de teatro para la compañía Espejo Ilusión. 

En 2015 propusieron y ganaron un apoyo por parte del PACMyC, de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, en el que plantearon la compra de instrumentos para dar difusión a esta propuesta musical que incluía letras originales cantadas en náhuatl. Afirma Sergio que el rescate de la lengua y de la música tradicional era fundamental para esta propuesta. 

“Además de las mezclas que hacemos con la música folclórica del Este de Europa y la de carnaval, también fusionamos con rock, ska, reggae, polka, son y hasta danzón. Nuestra propuesta es muy alegre y digamos pegajosa, la cual ha tenido bastante aceptación entre la gente de todas las edades, por la gran variedad de ritmos que manejamos”, detalla el percusionista. 

Actualmente La Murga Xicohtl se compone por Manuel Tlapa, Giovanni y Jonathan Jaramillo, Ricardo Pérez, René García, Óscar y Sergio Hernández, que juntos han logrado amalgamar este proyecto, gracias al trabajo en equipo con el que dan forma a los arreglos de cada canción “aquí no hay ninguna estrellita, todos tenemos voz y voto para los temas que se proponen”, dice el entrevistado. 

La Murga Xicohtl, ­­señala Sergio, podría considerarse un tanto excéntrica, ya que, con sus dos guitarras; tres metales: saxofón, trompeta y trombón; así como su bajo y batería ponen a bailar a chicos y grandes “podemos estar tocando un vals, por ejemplo, y de repente soltamos la polka, así de excéntricos podemos ser. Cada tema puede estar compuesto de cuatro ritmos diferentes”, además, en sus presentaciones, el saxofonista porta la vestimenta de Chivarrudo, que es el huehue originario de la zona sur de Tlaxcala.  

Explica el entrevistado que la murga es un género musico-teatral desarrollado en distintos países de América Latina y Europa, cuya característica es que los músicos se juntan para tocar en fiestas patronales y carnavales, lo que sucede en Tlaxcala, con las llamadas camadas “por eso adoptamos ese nombre y Xicohtl por el nombre del municipio en donde comenzó esta historia, que es Santo Toribio Xicohtzinco”. 

Si bien ninguno de los integrantes es hablante nativo de náhuatl, para sus interpretaciones han recibido asesorías de personas que sí lo son, con personas certificadas en el habla y, además, buscan capacitarse en este idioma. 

La agrupación ha tocado en el Festival Internacional Cervantino, en Guanajuato, en el Festival Alfonso Ortiz Tirado, en Sonora; en Ciudad de México, Querétaro, Acapulco, Puebla, entre otras entidades del país.  

Actualmente La Murga Xicohtl tiene un disco grabado y se encuentra en preparación del segundo material en el que busca tener un nuevo repertorio que retome géneros musicales que les identifiquen con su comunidad “vamos a incluir de 10 a 12 temas aproximadamente, con letras que salen de experiencias o vivencias del grupo, así como de algunas efemérides o situaciones que aquejan al país”. 

Asegura Sergio Hernández que en este nuevo material La Murga seguirá destacando la importancia de las lenguas maternas, con el objetivo de preservarlas y mantenerlas vivas, así como difundir la música de carnaval del sur de Tlaxcala.  

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Alquimia, Ensamble Contemporáneo Interdisciplinar conjuga la música con otras artes para activar los sentidos.

Alquimia Ensamble Contemporáneo Interdisciplinar surge con la visión de difundir nuevas expresiones sonoras a través de la interpretación de música, la improvisación y la exploración tímbrica, así como la conjugación entre la música y otras disciplinas.

El ensamble está integrado por Pamela Martínez (voz), María Clara Lozada (flauta), Bárbara Medina (percusión) y Edith Ramírez (violonchelo), quienes comenzaron con una amistad en la Universidad Autónoma de Chihuahua (UACH), de donde son egresadas de la carrera de música, sin imaginar que el destino y la contingencia por la COVID-19, las reuniría de nuevo para formar un ensamble.

Cada una tiene proyectos personales encaminados a la enseñanza e investigación musical, pero la inquietud por la exploración de esta disciplina fue lo que dio pie a Alquimia, un proyecto que incluye obras con aspectos teatrales, la instrumentación libre integrando elementos como la voz hablada, gestos corporales, objetos y uso de medios tecnológicos audiovisuales.

En entrevista, Edith Ramírez cuenta que la primera incursión que tuvieron como Alquimia fue en 2020, por invitación del Festival de Arte Nuevo (FAN) que se realiza cada año en Chihuahua “este evento es parte de las muchas acciones que se realizan en el estado para abrir espacios de intercambio e interacción entre las personas creadoras y el público interesado en las expresiones artísticas contemporáneas”, explica.

El repertorio musical de Alquimia se compone por obras de compositores mexicanos e internacionales, con el objetivo de visibilizar aquellas creaciones artísticas de compositores vivos con propuestas nuevas dentro de la interdisciplina.

“Lo que queremos es salir de un formato tradicional de concierto. Por ejemplo, tenemos obras donde tocamos, hablamos y nos caracterizamos con diferentes atuendos. Eso es lo que nos interesa, obras que se salgan del formato tradicional de la interpretación musical.

Comenta la violonchelista que a partir de este año se han dado a la tarea de investigar obras que queden con la instrumentación y el perfil que manejan, pero también están abiertas a un ensamble con más instrumentos y más músicos, porque la intención es crecer y seguir con la experimentación en este rubro sonoro que despierte otros sentidos.

El nombre del ensamble fue producto del consenso de las integrantes, al buscar que este les permitiera la exploración, “en sí la alquimia viene siendo eso, una indagación que, en nuestro caso, es para lograr conjugar los sonidos con otras artes para despertar otros sentidos; esa es nuestra propuesta y nuestra apuesta”, explica.

El ensamble Alquimia ha colaborado con el departamento de Creación e Investigación de la Facultad de Artes de la UACH. Por otro lado, ha tenido presencia en el Festival Internacional Chihuahua 2021, Festival Internacional de la Ciudad de Chihuahua y en el Festival de Expresiones Contemporáneas Puebla 2021.

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Nancy Zamher pone a vibrar y a bailar al Foro Hilvana con su disco Raíces.

La cantautora mexicana, Nancy Zamher, presentó, a full band, su nuevo disco Raíces en el Foro Cultural Hilvana, recinto que desde hace varios años ha apoyado proyectos musicales independientes de nuestro país. 

Con ritmos de Latinoamérica y algunos otros como el rock y el funk, Zahmer puso a vibrar y a bailar a la mayoría de los asistentes a este concierto la tarde del domingo 28 de noviembre, un día fresco para poder gozar de la música y de los diversos sonidos que forman parte de la inspiración de la nueva producción discográfica de la cantora nacida en la Ciudad de México.

En punto de las 18:30 hrs subió al escenario Nancy Zamher acompañada de grandes músicos como respetable y talentoso, José Garcia Montemayor, en la guitarra y en la dirección musical. La noche comenzó a tornarse con un sabor lleno de color y son, arrancando con las primeras canciones de la noche con Flor Violeta, Rio del tiempo, La Guardiana y Chocolate, misma que motivó el baile del público quien ocupó la pista para sacarle brillo al ritmo de cumbia. 

Después de este segmento, Zamher adelantó canciones que serán parte de su segundo disco: Es Imposible,  Que pase el otoño y Mientras tú no estabas, un set rockero y poderoso que ella incorporó, mientras que las voces de las coristas lucían al ritmo de rockabilly, la guitarra eléctrica y la gran voz de Nancy sucumbió en todo el foro donde se notaba la influencia del rock en su música, pero apegada siempre a los ritmos de América Latina.

Un momento emotivo fué cuando invitó al centro de la pista a Marcelina, amiga y fundadora de la fundación para trabajadoras domésticas, para dedicarle la canción del mismo nombre y de quién se inspiró para crear esta melodía al ritmo de polka.

Para cerrar la noche, cantó los sencillos que fue dando a conocer previo al lanzamiento oficial de Raíces: Gabriela, Sangre de Cacao y Amaranto, himnos de su disco que le cantan a la cultura mexicana con un mestizaje de sonoridades y música popular mexicana, para cerrar la noche con baile y agradecimientos por todo el labor de los cómplices que formaron parte de este lanzamiento tan especial del disco Raíces para cerrar el año. 

Previo a la presentación de Nancy Zamher, la compositora mexicana, Geo Equihua, fue la encargada de abrir la noche con sus canciones, mismas que crearon una atmósfera en todo el lugar gracias a su voz tan expresiva y profunda.

Texto y fotos cortesía de @frequencymx y @pblancalechuza

Desde el Sofá de la banda Stereoplan.

Stereoplan es una banda de latin pop rock fusión formada en Estocolmo, Suecia en 2017. La agrupación está integrada por Anibal Keyman (voz, guitarra, cuatro Venezolano), Jonas Carreño (teclados), Alex Schappas (batería, percusión), Chris Candia (bajo), Alejandro Thomas (guitarra). Cuentan con un álbum de estudio titulado Degeneración 2020, grabado en NIOX Studios (Estocolmo, Suecia) bajo la producción de Melvin Honda y Anibal Keyman, mezclado por Christoffer Walin y Stina Johansson, y masterizado por Alfredo Matheus Diez en Miami, Florida.  

Surgen en Estocolmo, Suecia tocando canciones de rock de los 80’s y 90’s en español e inglés. La agrupación fusiona sus arraigadas raíces  y el folklore latinoamericano con la energía y las guitarras distorsionadas del rock, añadiendo ritmos e instrumentos típicos como el cuatro venezolano, las congas cubanas y tambores colombianos. A través de su ecléctico sonido han encontrado el match perfecto para sus producciones y shows, convirtiéndose en una de las agrupaciones más populares dentro de su género.

La banda de rock latino Stereoplan promociona el sencillo “El Sofá” en México. El tema es una historia de desamor en la que el piano y las cuerdas como elementos protagónicos nos narran el lamento profundo de un amor imposible con un final al estilo balada rock.

“Nos encantaría visitar México y compartir nuestra música con su gente. Nos sorprendió descubrir que en nuestro sencillo TikTok Danza la mayoría de comentarios son de seguidores mexicanos”, comenta Anibal Keyman, compositor y vocalista del grupo.

Fotos y texto cortesía

El soundtrack de la vida cotidiana: cien años de radio y música popular en la Ciudad de México

El soundtrack de la vida cotidiana: cien años de radio y música popular en la Ciudad de México es una obra radiofónica en la que el profesor e investigador de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), Fernando Mejía Barquera. Aquí hace una radiografía sonora de la historia de la radio musical en el país y las primeras transmisiones radiofónicas desde 1921 a 2020.  

Uno de los canales de comunicación que nos han acompañado a lo largo de un centenario, es la radio; gracias a eso hemos tenido acercamiento a la información y al entretenimiento. 

En este panorama histórico de la radio en México, Barquera abarca las primeras experimentaciones y transmisiones en el Valle de México. Lo que revolucionaria la industria de la comunicación, como un medio imprescindible de comunicación.  

En este largo compendió histórico, se describe a detalle los primeros cien años de la radio en México; y de aquellos personajes que hicieron de ello, su funcionamiento, y de cómo se ha transformado la radio en lo que conocemos hoy en día.  

Soundtrack musical de la capital mexicana durante el periodo 1921-2020; finalmente, se concluye en “una radiografía histórica sobre las transformaciones sufridas por el cuadrante de la Ciudad de México.  

Entonces, el libro relata a la radio como un soundtrack de vida que se ha quedado entre nosotros en cien años de historia. La aparición del primer noticiero Radio Noticias en 1930, y la aparición de La XEW, la voz de América Latina, y La Hora Nacional en 1937.  

En una historia que va por décadas, se hace el recorrido de sucesos radiofónicos, en 1968, surge Radio Educación; siendo esta una emisora independiente de la secretaria de Educación Pública (SEP).  

En 1970 se impulsa la Frecuencia Modulada (FM) en la radio hablada en las Ciudad de México. Con ello la aparición de Esteromil, Estereo Rey, Radio Imagen y XEW FM.  

En 1983 se crea el Instituto Mexicano de la Radio (IMER) junto con el Instituto Mexicano de Televisión (IMEVISION) y el Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE).  

Un libro que da vida a uno de los aparatos que cambiaron la manera de apreciar los acontecimientos en el mundo: La Radio.  

Por Diego Vazquez

Olinka, música de raíz.

Olinka cantante, actriz y compositora, nacida en la Ciudad de México,
una de las voces femeninas más reconocidas del panorama musical independiente, pionera de la escena reggaeen nuestro país con una trayectoria de más de 20 años.

Su voz cálida y contundente, su mensaje de amor, conciencia y respeto por la vida y por la tierra la han llevado a cantar y representar nuestro país por distintas latitudes de México y el mundo: giras nacionales e internacionales en:
África, Europa, Canadá y Estados Unidos. También ha participado en algunos de los festivales y escenarios más importantes y reconocidos en la Ciudad de México y en toda la República (Zócalo de la CDMX, Teatro de la Ciudad,
Lunario del Auditorio Nacional, Foro Sol, Festival Cumbre Tajín,
Festival Internacional,Cervantino, entre otros).

Ha sido invitada a colaborar en múltiples producciones discográficas y participa
constantemente en proyectos musicales que promueven el derecho a la vida y a la diversidad .

Acompañada de su banda Masehuali, explora y recorre distintas facetas de su voz, estilos, colores y sabores de la música del mundo con influencia
principal de la música reggae donde se mezclan y conjugan de una manera alegre, provocativa y deliciosa ritmos latinos, hip hop, soul, son jarocho
y cumbia, incitando a la comunidad a ser parte de la celebración de la vida,
utilizando la música como vehículo de transmisión cultural y herramienta
profunda de cambio.

Aquí la ENTREVISTA que sostuvimos con Olinka:

Texto y fotos cortesía.